Cinco claves para ser un artista, según Paul Klee
Mundo. Uno de los artistas más celebrados del siglo XX, Paul Klee fue también un gran profesor, formando parte del claustro de la escuela Bauhaus entre 1921 y 1931.
Para promover un acercamiento teórico a la creación artística, el pintor impartió una gran variedad de cursos interdisciplinarios, desde la encuadernación al diseño básico, y dejó unas 3.900 páginas de notas de sus conferencias. Estos documentos, que fueron compilados en parte en el Klee's Pedagogical Sketchbook (1925), muestran los guiones de las innovadores e inusuales lecciones del artista, que con frecuencia proporcionaban a los estudiantes una aproximación paso a paso a la expresión artística. Aquí tenemos algunas de sus lecciones clave sobre arte y diseño.
1) Elige una línea para avanzar
"Una línea activa por la que caminar y moverse libremente, sin objetivo". Así comienza el Klee’s Pedagogical Sketchbook, que sirvió como libro de texto para muchos estudiantes de la Bauhaus. Las cinco páginas siguientes contienen su famosa descripción de las marcas humanas más básicas, clasificando los diversos tipos de líneas, desde las circunscritas en sí mismas a las que contienen puntos fijos. Cada ejemplo va acompañado de un diagrama, que probablemente Klee dibujaba en la pizarra durante sus clases.
Muchas de las lecciones de Klee se centran en este tipo de categorización, demostrando las múltiples formas en que un punto puede convertirse en una línea, una línea puede convertirse en un plano, y así sucesivamente. Comenzando con los fundamentos, Klee organizó su método de enseñanza basandose en la manera en que los niños aprenden a leer. "Primero las letras, luego los signos, y después, por fin, cómo leer y escribir", explicó. Así como podemos reorganizar una serie de letras para construir diferentes palabras, Klee pedía a sus estudiantes que repitieran la misma fórmula en tantas posiciones como fuera posible. Estas minuciosas tareas sientan las bases para futuras obras de arte y diseño, y deben ser dominadas antes de que el tono y el color entren en la imagen.
2) Observar una pecera
Cuando Klee impartía clases en su domicilio, a menudo hacía que los estudiantes pasaran tiempo observando los peces tropicales de su gran acuario. El artista encendía y apagaba las luces, incitando a los peces a nadar y esconderse, al tiempo que alentaba a los estudiantes a tomar cuidadosa nota de su actividad.
Para aquellos que conocen a Klee como el "padre del arte abstracto", esta lección puede parecer sorprendente. Sin embargo, Klee estaba profundamente interesado en crear movimiento en sus composiciones. Y afirmó que todas las obras de arte, incluso las más abstractas, debían inspirarse en la naturaleza. "Sigue los caminos de la creación natural, el devenir, el funcionamiento de las formas", enseñó a sus alumnos. "Entonces, tal vez partiendo de la naturaleza, lograrás formas propias, y algún día incluso llegarás a ser como la naturaleza y empezarás a crear".
3) Dibuja el sistema circulatorio
Klee estudió obsesivamente la naturaleza y se tomó un interés especial en las estructuras ramificadas de plantas, sistemas orgánicos y vías fluviales. En sus conferencias, describió estos patrones con especificidad científica, trazando ecuaciones matemáticas y diagramas de flujo en la pizarra. Exploró cómo brotan las semillas, cómo las hojas desarrollan sus nervios y cómo los lagos desembocan en arroyos, casi siempre terminando con una afirmación de asombro sobre la magia que contienen el crecimiento y el desarrollo en la naturaleza.
En una de estas lecciones, Klee exploró el sistema circulatorio, esbozando en la pizarra el movimiento de sangre a través del cuerpo. Afirmó que este proceso corporal reflejaba la forma en que se crea el arte. Después, Klee pidió a sus estudiantes que dibujaran el sistema circulatorio ellos mismos. Sus representaciones, insistió, debían plasmar la transición de la sangre de una etapa a otra, pasando del rojo al azul, usando la línea y la densidad para representar los cambios de proporción, los nutrientes y la fuerza.
4) Pesar los colores
Sólo después de que los estudiantes comprendieran las complejidades de líneas y planos -y pudieran encontrar estas formas en la naturaleza- Klee introducía el color. Como gran parte de sus enseñanzas, las lecciones de Klee sobre el color combinaban la precisión científica con un profundo sentido místico. Sus teorías se basaron principalmente en círculo cromático de Johann Wolfgang von Goethe, presentado un siglo antes, en 1809, que propuso la idea de que el rojo se oponía al verde, el naranja al azul y el amarillo al violeta.
Klee añadió una nueva dimensión a este diagrama, convirtiéndola en una esfera, con el blanco en la parte superior y el negro en la base. Este marco, enseñó, debe abarcar todos los aspectos del color, incluyendo el matiz, la saturación y la luminosidad. Klee pidió a sus estudiantes que crearan diagramas de color propios, incluyendo una asignación en la que "pesaran" visualmente un color contra otro. Como resultado el color rojo, por ejemplo, sería más pesado que el color azul.
Aunque que se basaba en la ciencia, Klee también era un romántico cuando se trataba del color. A menudo establecía conexiones entre el color y la música, explicando que las combinaciones de colores (como las notas musicales) pueden ser armoniosas o disonantes dependiendo de su emparejamiento. A veces tocaba el violín para sus alumnos. La declaración más existencial de Klee sobre el color, sin embargo, vino de fuera del aula. "El color y yo somos uno", declaró en su diario en 1914. "Soy un pintor".
5) Estudiar a los grandes
Cuando hablaba del trabajo de otros artistas, Klee utilizaba las siguientes metáforas. Si un producto nuevo como una pasta de dientes o un detergente de lavadora es popular entre los clientes, sus competidores deben investigar los elementos químicos del mismo para poder replicar el éxito. O si una enfermedad es inducida por alimentos, los científicos deben esforzarse por determinar qué ingredientes específicos son venenosos y cuáles benignos.
Por ello, los artistas deben reducir las obras de arte de sus compañeros y predecesores a sus componentes más elementales (la línea, la forma y el color) para determinar qué hace que una imagen sea exitosa o problemática. "No analizamos obras de arte porque queramos imitarlas o porque desconfiemos de ellas", dijo una vez, "lo hacemos para comenzar nuestro propio camino".
En sus últimos años en la Bauhaus, Klee realizó análisis y comentarios sobre las obras de sus alumnos en su propia casa. Los estudiantes traían sus pinturas recientes y las colocaban en caballetes vacíos, pues las obras inacabadas de Klee colgaban en el fondo de la sala. Klee se sentaba, balanceandose en su mecedora, e inspeccionaba las imágenes en silencio. Después proporcionaba su análisis de las obras, aunque de su famosa y elevada manera, hablando de un problema general del campo de la pintura o identificando alguna idea subconsciente que se manifestaba en la obra. Después, los alumnos se sentaban alrededor de una gran olla de barro, fumaban cigarrillos y hablaban de arte. De todos los maestros de la Bauhaus, Klee fue el único que nunca puso calificaciones. (Fuente: www.culturainquieta.com)